Viewing Room
season 2020 – 2021
Heat Maps is the debut exhibition of an ambitious new body of work by Richard Mosse, shown at the Curve in London’s Barbican Art Gallery, opening February 2017, and the National Gallery of Victoria in Melbourne later that year.
Heat Maps attempts to foreground the biopolitical aspects of the refugee and migration situation facing Europe, the Middle East and North Africa. The project charts refugee camps and other staging sites using an extreme telephoto military-grade thermographic camera designed to detect and identify subjects from as far away as fifty kilometres, day or night.
The camera itself is export controlled under the International Traffic in Arms Regulations — it is regarded as a component in advanced weapons systems and embargoed as such — and was designed for border surveillance and regulation.
Reading ‘heat’ as both metaphor and index, these images attempt to reveal the harsh struggle for human survival lived daily by millions of refugees and migrants, seen but overlooked by our governments and ignored by many. Heat Maps is the debut exhibition of an ambitious new body of work by Mosse, which will be shown at the Curve in London’s Barbican Art Gallery, opening February 2017, and the National Gallery of Victoria in Melbourne later that year.
The camera elicits an alienating and invasive form of imagery but also occasionally tender and intimate. It tends to dehumanize and then rehumanize the bare life (Agamben) of the human figure of the stateless refugee and illegal economic migrant. It was specifically designed to detect, monitor, and police and is used against itself to map landscapes of global displacement and more powerfully represent ambivalent and charged migration narratives.
“I see photography not only as medium of artistic expression but first and foremost understand and question it as a technique integrated in our everyday life. Therefore, in many of my projects I use private photographs that I find in analogue and virtual archives. I am interested in understanding social processes linked to photographic media, more than in producing photographs myself. An image can be fixed on paper, projected through slides or visualized on screens, each era has its own photographic techniques and ways to use it. With my work I research photography as a cultural tool that structures perception, behaviour and memory on collective and individual levels.
My working process can be described as manual post-production that aims to turn photographs into palpable objects. By cutting, collaging, layering or installing photographs in space I tend to overcome the flat, two dimensional surface to which photographs and screens confront us.”
We are moving in stages to o.T. (painting) too. Step 1: the canvas is white but not monochrome. You can see irregular colored blobs on it. Step 2: The picture seems to consist entirely of white and colored areas that vary in size and shape. Step 3: The dates of the photos and the names of the photo paper manufacturers are legible on the white surfaces. They are the backs of analog photographs. Fragments of their colored fronts permeate the pictorial space. Human silhouettes and the outlines of objects become visible.
As in her long-standing collage series Mindscapes, Lulay works in o.T. (painting) with photo archives of anonymous strangers. While structures and colored surfaces are extracted from photographs in the Mindscapes and merged into fictional landscapes, o.T. (painting) a shimmering all over structure. Here photographs were completely broken down into their visual components and applied to a canvas with a brush. Concrete objects become splashes of paint and shapes. By reducing the original motifs to their outlines, an approach to the former picture content is prevented. The surface of the picture is pervaded by the flow of figurative and abstract elements that flow together in a spaceless noise.
“Serie de bailarines” es un grupo de imágenes donde la artista muestra su percepción de la sociedad cubana contemporánea, más concretamente desde los vínculos religioso-culturales provenientes de África, asimilados en la cubanía sin siquiera haber transcurrido más de 200 años. Lo que en época fue motivo de mucha discordia entre esclavos, criollos cubanos y colonos españoles. Tanto en lo que respecta las costumbres religiosas y las tradiciones culturales. Esta percepción de la vida cultural tradicional religiosa forma parte de la cubanía de manera cotidiana.
La artista con estas serie de fotografías quiere mostrar el amor entre razas, la percepción de la mujer blanca proveniente de españoles y el hombre negro africano, esclavizado. Ya que todavía hoy por hoy en el mundo cubano está mal visto, sigue siendo motivo de discordia en la sociedad. Loyola espera poder dar a entender a los espectadores que las razas no existen sino que el hombre es uno solo, que el amor entre ellas es más fuerte, transparente y real que el de cualquier otra unión por ser esta una pareja que trasciende lo cultural.
Las localizaciones que la artista ha elegido para construir estos retratos románticos tienen que ver con los templos donde se efectúan ceremonias secretas de las religiones provenientes de África o lugares de reuniones de hermandades secretas como el Ñañiguismo. Crea un relato donde la mujer blanca se inicia en arraigadas tradiciones provenientes de tierras yorubas, utiliza atributos decorativos como joyas y vestidos específicas sin ser considerado tabú.
Mediante todos estos ingredientes Loyola consigue crear un correlato entre la cubanía, el mundo yoruba, el amor y la danza, plasmada en esta serie fotográfica donde se adentra en la génesis del culto, de lo mágico-religioso, dotando a las imágenes de una profundidad ancestral.
El trabajo está vinculado con la intención de mostrar a los espectadores la belleza y sensibilidad de los cuerpos amantes. Todo ello dotado de la tradición secular de la religión yoruba. La fotografía funciona como espejo de emociones personales, al ver los retratos danzantes percibimos no sólo la apariencia sino los sentimientos, emociones y experiencias.
season 2019 – 2020
La propuesta de la Galería Leyendecker para Pinta Miami 2020 es un stand individual con obras de G.T. Pellizzi: Cerámica y Luces.
Esta obra forma parte de una serie en curso de refundición de objetos plásticos cotidianos comprados en los mercados mexicanos en porcelana vitrificada vibrante. Muchos de estos objetos plásticos han reemplazado a otros objetos que fueron originalmente hechos en cerámica y otros materiales tradicionales. El plástico, sin embargo, no dura más de unos pocos cientos de años, por lo que sólo refundiéndolos en porcelana esmaltada existe la posibilidad de que un registro de estos objetos pueda sobrevivir para futuros milenios. El título se deriva de un poema del poeta romano Horacio. La frase original del poema de Horacio «Disjecta Membra Poetae» se traduce como: «los miembros desmembrados de los poetas» y la usó para referirse a los fragmentos de poesía perdidos en la historia. La frase fue usada más tarde para describir fragmentos de cerámica y encontrados por arqueólogos.
Made In Tenerife presenta algunas de las obras realizadas por nuestros artistas durante sus “residencias” en Tenerife, las cuales han sido expuestas en el pasado.
Pepo Salazar, 2011-2012
Gianfranco Foschino, 2013-2015-2016
James English Leary, 2016-2017
G.T. Pellizzi, 2017-2018
Alberto Borea, 2018-2019
Kennedy Yanko, 2018-2019
José Lerma, 2019-2020
En esta exposición contamos con dos artistas que han representado a sus países en la Bienal de Venecia: Gianfranco Foschino en 2014, Pabellón de Chile León de plata en la Bienal de arquitectura de Venecia y Pepo Salazar, un año después en el 2015 en el pabellón español.
Gianfranco Foschino, considerado en el sector artístico de New York como el Vermeer de Chile, posee un discurso fuertemente afianzado yclaramente comunicativo que permite recorrer los senderos del video-arte, dejando atrás el movimiento de la cámara. Esta manera tan personal de trabajar el video-arte le valió, en 2014, el León de Plata en la XXIV Bienal de Venecia. El halo místico que se crea en sus vídeos, implica una contemplación de espacios delimitados en un encuadre perfecto.
La serie presentada de Alberto Borea es una continuación de la que fue nominada al premio Art Nexus 2017.
En cuanto a James English Leary, que reside y trabaja en Estados Unidos, estudió en la prestigiosa institución de Nueva York The Cooper Union for the Advancement of Science and Art y es miembro fundador del colectivo artístico neoyorkino Bruce High Quality Foundation (BHQF) junto con G.T. Pellizzi, siendo ambos unos de los artistas emergentes más relevantes del actual panorama internacional.
La obra de Leary se caracteriza por el volumen de las formas y líneas que se presentan como “obra-hueco” en donde el lienzo adquiere una apariencia escultórica. El cromatismo intenso y el gran efecto volumétrico está presente en todas las obras.
Cada una de las obras que el artista G.T. Pellizzi realizó en residencia ha sido conceptualizada dentro de los cánones del arte occidental, resultando en objetos escultóricos y pictóricos ubicados en el contexto espacial, relacionándose con la arquitectura.
El artista José Lerma reside y trabaja en Chicago. Donde es profesor titular en la prestigiosa universidad School of the Art Institute of Chicago (SAIC).
Por último, Kennedy Yanko ve los materiales que utiliza como artefactos de las sociedades con diversas existencias, que llevan el peso del tiempo. Es por eso que visitar los astilleros de salvamento de la isla, como un intruso, resultó ser una experiencia excesivamente dura. Cargada de objetos de las cálidas Canarias, sintió la responsabilidad de transmitir su cultura y rendir homenaje a la introspección que inspiran.
